Apreciación Cinematográfica / Material Pedagógico

CÓDIGOS GENERALES DEL CINE II

CÓDIGOS GENERALES DEL CINE II

Por Antonio Machuca

Espacio, tiempo y montaje

Revisamos previamente las características principales de la imagen cinematográfica y cómo dispone de diversas cualidades para crear la ilusión de realidad. Ahora conoceremos los códigos generales del cine, los cuales conforman el lenguaje y las formas cinematográficas. Si ellos no estuvieran presentes no estaríamos ante una película, ellos son:  

  • Los códigos de espacio: el plano, posiciones y movimientos de cámara.
  • Los códigos de tiempo: continuidad, avance, retroceso 
  • El código de montaje: que articula los anteriores. 

Concepto de Espacio: 
Es uno de los principales códigos del cine. Es lo que el director o directora de la obra nos presenta en su selección: encuadres, colores o lugares (locaciones), movimientos y posiciones de cámara y la relación de estos con sus personajes. Todos constituyen el espacio de una película. 

Este proceso de selección creativo es definido como puesta en escena y en cuadro (composición audiovisual) que presenta tres nociones de espacio:


i) Espacio pictórico

Considera a la imagen proyectada sobre el rectángulo de la pantalla con los criterios pictóricos. Es decir, la composición, colores y luz. 
Ejemplo de espacio pictórico asociado a composición y dinamismo del plano:

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Ejemplo de espacio pictórico asociado a composición y dinamismo del plano
“El séptimo sello” I. Bergman, 1957.

ii) El espacio arquitectónico

Considera al mundo natural o artificial como presencia objetiva. Tiene relación con las locaciones, lugares y decorados que componen el espacio de la película. Ejemplos clásicos son: Metrópolis de Fritz Lang (1927) y Blade Runner de Ridley Scott (1989) que muestran a la arquitectura como señal inequívoca de un elemento expresivo y dominante. Otro buen ejemplo es: Deseando amar de Wong Kar Wai (2000) donde el espacio arquitectónico, es protagonista de la narrativa cinematográfica.


iii) El espacio fílmico (puesta en escena y montaje)

Es un espacio virtual reconstruido en la mente del espectador basándose en los elementos fragmentarios que le proporciona la cinta. 


Una explicación más simple es la siguiente: en las películas se suelen editar fragmentos de tiempo innecesarios (lo que se llama elipsis). Así, por ejemplo, un hombre en el décimo piso de un edificio desciende en ascensor hasta la calle. Al director/a le interesa mostrarnos que sube al ascensor, y luego que ya está caminando en la calle. Nos queda una imagen imaginaria del recorrido.

Éric Rohmer (1977), en su estudio dedicado a la organización del espacio, distingue tres tipos de espacio y su correspondencia con las distintas fases en el proceso de elaboración de la película:

  • Pictórico (fotografía): se considera la imagen cinematográfica como una representación, más o menos fiel y bella del mundo. Se puede relacionar la iluminación, el dibujo y la composición con estilos, escuelas y pintores concretos. 
  • Arquitectónico (escenografía): corresponde a las partes naturales o construidas, dotadas de una existencia objetiva en lo pre fílmico. Son las formas o grupos de formas que se muestran al espectador, es decir, todo lo que constituye el diseño de producción. 
  • Fílmico (montaje): es virtual, reconstruido por el espectador a partir de una operación de sutura imaginaria. El desglose en secuencias y planos (découpage) y el montaje organizan tanto la duración de la película como su espacio. Aunque no corresponda a ningún espacio objetivo real, es convertido en habitable por medio de la imaginación del espectador. 

El espacio del filme es siempre de la técnica, pero también de la mente del espectador. Hemos considerado a la imagen cinematográfica como si se tratara de una pintura fija, independiente del tiempo. Esto no es así cuando presenciamos una película. La imagen de cine no es única, está encadenada en medio de otras. Las imágenes están en un movimiento permanente, ya sea al estar al interior del cuadro (personajes que se desplazan) o por movimientos de cámara. El cine es un arte vital que permanece en el tiempo.

Todas estas condiciones que hemos leído hasta ahora, es decir, dimensiones, cuadro, movimiento, duración, conforman una idea más amplia: el plano.

El plano y sus características como código de espacio

Plano medio. 
El chacal de Nahueltoro, Miguel Littin, 1969.

Encuadre: tipos de planos

El plano es el espacio transversal que abarca el visor de la cámara y que luego reproducirá la pantalla. De manera más simple, lo que cabe dentro del marco. 

Por ejemplo, si tenemos la imagen de un rostro de una mujer que llora, y luego vemos un tren que se aleja, tendremos dos planos diferentes. Con estos dos planos yuxtapuestos entendemos que ella está triste por una partida. En esencia, cada vez que cambia una toma o el tamaño del encuadre asistimos a un cambio de plano. 

Un estudioso de esa gramática cinematográfica, Yuri Lotman en Estética y semiótica del cine (1979), define el plano como: “el espacio de la frontera artística y nos recuerda que éste presenta tres dimensiones: perímetro, volumen y duración”. Para liberarse, el cine puede hacer uso de sus propios medios. Piense, por ejemplo, en los movimientos de cámara.

La terminología de los planos se establece de conformidad con la figura humana en relación con la dimensión vertical de la pantalla. Expresado de menor a mayor espacio abarcado. (Navarro 2011, p. 45).

El plano detalle (Big close up): también se le ha conocido como Primerísimo primer plano. Es el aislamiento extremo respecto al espacio. Lo oculta. Opera como marca del rostro, del espacio y del tiempo. Muestra detalles de un objeto, mano, cerradura, otros. No puede durar mucho dada la desorientación espacial y de situación que experimenta el espectador. Es el encuadre más cerrado de la escala.

El primer plano (close up): se caracteriza como un encuadre de rostro y hombro. Recoge la emoción del personaje y, en cuanto tal, se revela como un plano íntimo de contacto físico. Su duración es regulada ya que aísla al sujeto de su entorno. Busca el impacto emocional. 

En el plano medio (medium close up): vemos al personaje de la cintura hasta la cabeza. El espacio está segmentado. Es coloquial, seguimos cerca de la acción, mantiene el entorno. Dado el papel de la palabra en el cine este plano tiene una larga utilización. Hecho para durar. 

El plano americano (medium shot): vemos al sujeto de cuerpo entero o tenemos la ilusión de verlo entero. Este plano muestra al personaje a la altura de las rodillas hacia arriba, por lo cual hablamos de un recorte particular. Tenemos la ilusión de ver el cuerpo entero del personaje, nuestra imaginación lo completa. Muy utilizado para relatar la acción. Está bien utilizado en la escala: ni muy abierto ni muy cerrado. (Navarro, 2011, p.48).

El plano de conjunto (medium long shot): exhibe un grupo de personajes. Corresponde con el reconocimiento del sujeto dentro de un conjunto. Podemos explorar el espacio con información identificable. Es descriptivo, fijo o con movimiento. Es habitual en el cine de corte épico o masivo. En el género western podemos encontrar ejemplos en las películas de John Ford y Howard Hawks.

El plano general (long shot): enseña el espacio total en el que se desarrolla la acción. Muestra el conjunto de un escenario o un paisaje amplio. Aunque la mayoría de las veces tiene un sentido meramente descriptivo, de referencia global o de situación geográfica, hay cineastas que infunden a estos planos, resonancias cósmicas. De utilización episódica. Su información es tan general como que puede leerse con rapidez. En ellos el hombre es definido por el entorno. 


Como ejemplo de plano general, pensemos en Ran de Akira Kurosawa (1985), una obra horizontal en la cual el paisaje plástico es testigo de la tragedia y la ambición humana. Mencionemos al cineasta alemán Werner Herzog y Aguirre, La ira de Dios (1972) donde la selva amazónica trepida en devolverle al hombre su cara desquiciada. Se pretende destacar la soledad o pequeñez del ser humano frente al medio. 

Otros conceptos asociados al plano (Navarro, 2011, p. 34):

  • El plano subjetivo: se define como aquel encuadre que corresponde con la mirada del personaje. Aquí vemos al personaje mirando hacia afuera de campo. Luego hay un cambio de plano, ahora vemos lo que el personaje está observando.
  • El plano-contra plano: corresponde a la descomposición de un espacio en dos a fin de contraponer a dos personajes dialogando. Se produce una alternación simétrica entre los campos captados. De esta manera podemos seguir de más cerca de la acción mediante el aislamiento de las partes que se corresponden.
  • Over-shoulder shot: aquí ambos personajes se presentan en el mismo encuadre. Primero, un personaje que se destaca, frontal y otro, sólo de referencia sobre su hombro. La ventaja es la de contener las reacciones del personaje en referencia.

Bibliografía y fuentes módulo Apreciación cinematográfica.